Die Bildhauerei der Moderne

Die moderne Bildhauerei vollzieht zwischen 1880 und 1970 eine radikale Transformation der plastischen Form. Dieser Prozess beginnt mit der Abkehr von der akademischen Tradition, die das Modellieren in Ton für den anschließenden Guss in Bronze als primären Arbeitsschritt festgeschrieben hatte. Auguste Rodin (1840–1917) markiert mit seiner Arbeit im Atelier Meudon den Ausgangspunkt dieser Entwicklung. Er löste die geschlossene Form auf und integrierte Fragmente sowie unvollendete Oberflächen in die Komposition.

Die Epoche gliedert sich in mehrere distinkte Phasen. Die erste Phase umfasst die Spätphase des 19. Jahrhunderts, in der Rodin das Verhältnis von Körper und Raum neu definierte. Es folgt die Ära vor dem Ersten Weltkrieg (1900–1914), geprägt durch Constantin Brâncuşi und die kubistische Plastik. Die Zwischenkriegszeit (1918–1939) wird durch die Bewegung der Direktbearbeitung (taille directe) bestimmt. In der Nachkriegszeit (1945–1970) dominieren existenzialistische Fragilität und die Verwendung industrieller Materialien.

Zeitraum und Phasen

Die Entwicklung beginnt um 1880. Auguste Rodin bricht mit den starren Konventionen des Salons. Seine Arbeit in der Werkstatt Meudon führt zu einer neuen Behandlung des Oberflächenreliefs. Zwischen 1900 und 1914 verschiebt sich der Fokus auf die Reduktion. Constantin Brâncuşi arbeitet in dieser Zeit an der Essenz der Form, während Picasso die Skulptur in Richtung kubistischer Konstruktion lenkt.

Die Phase von 1918 bis 1939 ist durch die taille directe gekennzeichnet. Bildhauer wie Barbara Hepworth und Henry Moore verzichten auf das klassische Modell aus Ton. Sie bearbeiten Stein oder Holz unmittelbar, was die Materialität der Skulptur betont. Nach 1945 tritt eine neue Qualität der Materialität ein. Die existenzialistische Plastik Alberto Giacomettis thematisiert die menschliche Isolation. Später folgen die experimentellen Ansätze der 1960er Jahre, in denen industrielle Werkstoffe wie Stahl oder Plexiglas Einzug halten.

Werkstatt und Material

Die traditionelle Werkstattstruktur basierte bis 1914 auf dem Pariser Salon-System. Hier bereiteten Bildhauer Modelle vor, die dann in spezialisierten Gießereien als Wachsausschmelzguss in Bronze realisiert wurden. Mit der Moderne wandelt sich das Handwerk. Die Direktbearbeitung von Stein und Holz wird zum methodischen Kern der künstlerischen Identität.

Ab 1960 verändern industrielle Materialien die Produktionsbedingungen. Stahl, Schaumstoff und Kunststoffe ersetzen zunehmend die klassischen Werkstoffe. Die Werkstattlinien verschieben sich geografisch. Während Paris bis 1939 das Zentrum bleibt, entstehen ab 1939 in Cornwall die St. Ives-Schule und später in den USA eine neue Atelier-Tradition. Diese Zentren fördern die Abkehr vom figürlichen Modell zum autonomen Objekt.

Hauptzentren

Paris fungiert bis 1939 als das unangefochtene Zentrum der Bildhauerei. Die Ateliers von Auguste Rodin in Meudon und Camille Claudel in der Rue de l'Université ziehen internationale Künstler an. Constantin Brâncuşi arbeitet in seinem Atelier in der Impasse Ronsin. Auch Antoine Bourdelle bleibt in seinem Atelier im Montparnasse eine zentrale Figur.

Nach dem Zweiten Weltkrieg verlagert sich das Gewicht nach London und New York. Die St. Ives-Schule in Cornwall bildet ab 1939 einen wichtigen Standort für die britische Abstraktion. In den USA entwickeln sich ab 1945 New York und Los Angeles zu neuen Kraftzentren. Hier arbeiten Künstler wie David Smith oder Donald Judd fernab der europäischen Traditionen.

Stilformen und Bildtypen

Der Realismus der Spätphase zeigt sich in Rodins Bürger von Calais (1884–95) oder seinem Balzac (1891–98). Diese Werke nutzen die psychologische Tiefe der Oberfläche. Die darauffolgende Reduktion und Abstraktion bricht die Figur auf. Brâncuşi erreicht dies in Vogel im Raum (1923), wobei er die Form auf eine vertikale Dynamik reduziert. Seine Endloskolonne (1937–38) in Tirgu Jiu nutzt die serielle Wiederholung.

Die Bewegung der Direktbearbeitung führt zu neuen Durchbrüchen. Barbara Hepworth schafft mit Pierced Form (1931) eine der ersten durchbrochenen Skulpturen, die den Raum als aktives Element einbezieht. Henry Moore entwickelt in Recumbent Figure (1929) eine Sprache der organischen Volumina. Die existenzialistische Plastik zeigt sich in Giacomettis stehender Frau (1948–58), deren extreme Schlankheit die Materialität des Bronzegusses nutzt. David Smith führt mit der Cubi-Serie (1961–65) den Typus der industriellen Konstruktion ein.

Hauptwerke

• Rodin: Höllentor (1880–1917, Musée Rodin)
• Rodin: Bürger von Calais (1884–95)
• Rodin: Balzac (1891–98)
• Bourdelle: Hercule Archer (1909, Musée Bourdelle)
• Brâncuşi: Vogel im Raum (1923, MoMA)
• Brâncuşi: Endloskolonne (1937–38, Tirgu Jiu)
• Hepworth: Pelagos (1946)
• Hepworth: Single Form (1961–64)
• Moore: Reclining Figure (1929–30)
• Moore: King and Queen (1952–53)
• Giacometti: Walking Man I (1960)
• Smith: Cubi-Serie (1961–65)

Übergang zur Postmoderne

Die konzeptuelle Wende ab 1968 löst die Skulptur aus dem musealen Raum. Robert Smithson arbeitet mit der Land Art, etwa in Spiral Jetty (1970). Joseph Beuys erweitert den Kunstbegriff durch die Theorie der sozialen Skulptur. Donald Judd definiert mit seinen specific objects eine neue Form der Minimal Art, die die Unterscheidung zwischen Malerei und Plastik aufhebt. Die Postmoderne ab 1970 löst die traditionellen Kategorien der Bildhauerei endgültig auf.

Die theoretische Einordnung dieser Entwicklungen erfolgte maßgeblich durch Rosalind Krauss in Passages in Modern Sculpture (New York 1977). Sie analysiert die Verschiebung vom Objekt zum Raum. Penelope Curtis beschreibt in Sculpture 1900-1945 (Oxford 1999) den Übergang von der Form zur Struktur. Albert Elsen legt in Origins of Modern Sculpture (New York 1974) die Grundlagen für das Verständnis der frühen Moderne. Friedrich Teja Bach untersucht in Constantin Brâncuşi (Paris 1995) die spezifische Materialität der Abstraktion.

Eine Restaurierung des Höllentors im Musée Rodin im Jahr 2012 stabilisierte die Gussnähte der monumentalen Struktur.